Kia Design, en colaboración con los artistas de renombre internacional Philippe Parreno y AA Murakami (Azusa Murakami y Alexander Groves), presentará»Opposites United: Eclipse of Perceptions» en la Semana del Diseño de Milán 2025. Con la exposición de este año, en exhibición en el Museo della Permanente hasta el 13 de abril, Kia continúa su compromiso con el intercambio cultural y la exploración creativa.
El evento se centrará en la transformación en desarrollo de la marca, arraigada en sus valores culturales fundamentales y su identidad creativa, y generará conversaciones que desafíen e inspiren. Al reunir a artistas como Philippe Parreno y AA Murakami con Kia Design y otros miembros destacados de la comunidad creativa global, se busca brindar una experiencia interactiva donde los visitantes puedan interactuar con las ideas, filosofías y formas de expresión que dan forma a la creatividad contemporánea.
Desde su primera participación en la Semana del Diseño de Milán en 2023, Kia Design se ha esforzado por apoyar el arte y la cultura proporcionando una plataforma para que los artistas expresen sus interpretaciones de la filosofía de diseño de Kia «Opposites United» a través de obras o performances con enfoques experimentales.
«El Eclipse»
Como escenario central para representaciones y debates, «El Eclipse» en el Museo della Permanente cuenta con asientos escalonados que recuerdan al Coliseo. El contenido se proyecta en un sistema de pantallas de varias capas. En este espacio se anima a los visitantes a participar activamente en los acontecimientos, a sumergirse en el contenido y a interpretarlo subjetivamente, en lugar de ser simplemente observadores.
Los eclipses, es decir los eclipses solares o lunares, han adquirido un significado científico, religioso y cultural significativo a lo largo de la historia de la humanidad. Estos eventos celestiales nos han inspirado a soñar, a mirar más allá de nuestra propia existencia, a predecir el futuro y a avanzar en las tecnologías.
«Opposites United: Eclipse of Perceptions» utiliza el espacio para representar la historia de Kia Design y su compromiso con la evolución incesante a través de puestas en escena dramáticas y transformaciones espaciales. El público es testigo de un momento raro y extraordinario y participa activamente en cada oportunidad de alegría y contemplación.
Philippe Parreño
Philippe Parreno es uno de los artistas franceses más influyentes internacionalmente de los últimos 25 años y trabaja con una variedad de medios como el cine, la música, la escultura, el dibujo y la performance. Al adoptar lenguajes y códigos de un amplio espectro mediático, su obra cuestiona la frontera entre la realidad y la ficción y explora el espacio en el que lo real y lo imaginario se cruzan. Parreno anima al público a repensar su manera de abordar lo real y lo imaginario, y fomenta una reflexión más profunda sobre la naturaleza de la experiencia misma.
«Marquesina»
La “Marquesina” de Parreno, a la entrada de la exposición, ilustra la vanguardia cultural al revivir el concepto histórico de las instalaciones de luz sobre las entradas de los cines de la década de 1950 en el contexto del arte contemporáneo. Al difuminar los límites entre arquitectura, diseño y performance, la obra va más allá de sus orígenes como fachada cinematográfica y se centra en la luz y la forma sin texto. La luz fugaz, la interacción espacial y la iluminación performativa crean una experiencia dinámica, elevando la iluminación cinematográfica estilizada de un mero objeto a una reflexión sobre la interacción cambiante del pasado y el presente.
A. A. Murakami
El dúo de artistas japonés-británico AA Murakami, fundado por Azusa Murakami y Alexander Groves en 2020, crea instalaciones inmersivas que combinan ciencia y arte. La serie actual «Ephemeral Tech» combina tecnología innovadora con materiales etéreos y estados de la materia para crear experiencias sensoriales y fenómenos antinaturales.
Las obras del dúo se han exhibido en las Bienales de Arte y Arquitectura de Venecia y forman parte de las colecciones permanentes del MoMA de Nueva York , el Centro Pompidou de París , el Museo de Diseño Vitra en Alemania y M+ en Hong Kong. El estudio de diseño experimental de Murakami y Groves, Studio Swine, también ha ganado premios en importantes festivales internacionales, incluido Cannes .
«La cueva»
En su obra «La Caverna», AA Murakami combina elementos prehistóricos y tecnológicos para resaltar el impulso creativo continuo de la humanidad. Un autómata de gran tamaño con extremidades robóticas, que representa la última tecnología, interactúa con instrumentos prehistóricos hechos a partir de réplicas de huesos de animales antiguos. La yuxtaposición representa una exploración incesante, con las extremidades emergiendo de un estanque de agua antes de activar fuelles que soplan aire a través de los instrumentos, creando un paisaje sonoro etéreo que llena el espacio.
El entorno inmersivo de luz roja y agua quieta expande los límites de los sentidos y refleja el concepto de la obra como una meditación sobre la resistencia de la vida a la entropía y despierta la curiosidad intelectual. La instalación plantea preguntas profundas sobre la persistencia de la creatividad y el significado humanos frente a la incertidumbre existencial. A través de su actuación efímera, «The Cave» subraya el esfuerzo del dúo de artistas por capturar un momento único, no reproduciendo el pasado o el presente, sino combinando y reinterpretando incansablemente elementos para forjar un nuevo camino.
«Más allá del horizonte»
La segunda obra de AA Murakami en «Opposites United: Eclipse of Perceptions» es «Beyond The Horizon». En ella, burbujas gigantes y amorfas que emergen de máquinas colgantes se transforman en nubes. La obra traspasa los límites de la escultura y la instalación tradicionales y explora dimensiones efímeras, performativas e interactivas. El uso de dispositivos mecánicos para crear formas orgánicas y en constante cambio expresa una voluntad de experimentar con materiales y tecnologías no convencionales, un sello distintivo de la toma de riesgos creativos.
La imprevisibilidad de las burbujas –a veces aleatorias, a veces sincronizadas– introduce un elemento de azar, aceptando así el riesgo inherente de trabajar con sistemas dinámicos y no controlados. El entorno inmersivo, con su pasarela elevada, atmósfera brumosa y suelo reflectante cubierto por una fina capa de agua, intensifica la experiencia del espectador, creando una sensación de asombro y fomentando la interacción con la imprevisibilidad de la obra de arte.
